"Tiden gør os alle dårer," sagde matematikeren Eric Bell. Det er et citat, du sandsynligvis har et par gange, typisk når nogen beklager tabet af de gode gamle dage eller nogle nuværende forhold. Det er et deprimerende ordsprog, der er desto mere tragisk, hvor sandt det ofte viser sig at være. Filmfans ved det godt. Ofte husker vi en ældre film fra vores ungdom som værende fantastisk, eller hører om en ældre film, der er blevet betragtet som en klassiker, og vi er skuffede, når vi kontrollerer den nu for os selv og opdager, at den ikke har overlevet tidstesten.
Den del af dette citat, der har tendens til at blive skåret ud, er "Vores eneste komfort er, at større skal komme efter os." Det er til tider fristende at forsvare klassiske film gennem årene som fejlfri eksempler på, hvad film er i stand til bedst. Vi sætter dem på en piedestal så højt, at vi er bestemt til at se op til dem for evigt og aldrig helt nå deres umuligt høje højder. Sandheden i sagen er, at tiden kan gøre narr af selv de største film (for ikke at nævne mere moderne blockbusters). I stedet for at ignorere det, er det måske bedre at huske, at det baner vejen for større ting at komme.
Her er Screen Rants optagelse af de 15 klassiske film, der har været dårligt.
15 middelgader (1973)
Den elskede filmkritiker Roger Ebert omtalte engang Mean Streets som "et af kildepunkterne i moderne film." Mange fans vælger dog simpelthen at huske det som den første ægte Martin Scorsese-film. Selvom det ikke er kronologisk korrekt, er det åndeligt. Dette er filmen, der etablerede Scorseses kærlighed til groft sprog (det satte rekord for de fleste anvendelser af F-ordet), realistiske skildringer af kriminalitet i byen og brug af licenseret musik til at sætte en scene. Det er en stil, som Scorcese og mange andre instruktører fortsatte med at efterligne og perfektionere gennem årene.
Det er en del af problemet med gennemsnitlige gader. Det er et groft udkast, der ville blive redigeret af mange store visionærer (især Scorsese selv), indtil det blev et tidløst mesterværk i film som Goodfellas. Der er elskelige forekomster af amatørfilmdannelse i gennemsnitlige gader (kampscener, der ikke føles koreograferede), men meget af filmen føles sjusket snarere end rå. Taxachauffør, en Scorsese-film udgivet kun tre år efter Mean Streets, har ikke mistet noget af sin bid over tid. Det er svært at sige det samme for denne film, der engang var let at rose for at være en anden form for kriminalitetsfilm.
14 Fuglene (1963)
Langt de fleste klassiske Hitchcock-film er ældet utroligt godt. Det er faktisk lidt skræmmende, hvordan film som bagrude, svimmelhed og nord ved nordvest stadig har få moderne filmligner. Det fantastiske ved Hitchcocks bedste film er, at de har en måde at fordybe dig helt i deres verdener. Hitchcock brugte sit kamera som en malers børste for nøje at specificere hver tomme af hver ramme. Det er dette niveau af kontrol, der hjalp ham med at blive "The Master of Suspense".
Få af disse tidløse kvaliteter optræder i The Birds. Der er et par øjeblikke af filmskønhed i The Birds, men dette er Hitchcock på hans mest uinspirerende (hvilket ikke er så meget af en fornærmelse, som du tror det er). Så meget af den oprindelige ros, som denne film modtog, havde at gøre med filmens specialeffekter. Nu hvor disse virkninger er så forældede, bliver det meget sværere at virkelig købe hele "fugle beslutter at begynde at angribe mennesker". I betragtning af hvor meget kilometertal filmen forsøger at komme ud af den forudsætning, er det et problem. For så vidt som langsigtet effektivitet går, holder dette ikke et lys for Hitchcocks tidligere genreindsats, Psycho.
13 Morgenmad hos Tiffany's (1961)
Det er let nok at se, hvad folk så i Breakfast At Tiffany's, da den først blev udgivet i 1961. Det var en tilpasning af en hitroman, den spillede den uforlignelige Audrey Hepburn i en ikonisk rolle, og filmen er optaget utroligt godt (det bedste kunstretning Oscar er velfortjent). Det var en romantisk komedie i ånden af klassiske film som It Happened One Night, men med lige nok moderne relevans til at give det en fordel. Se dog filmen nu, og du vil sandsynligvis fokusere på et par ting, som publikum dengang ikke gjorde.
Den mest bemærkelsesværdige blandt disse moderne åbenbaringer er hr. Yunioshis forfærdelige racistiske rolle, spillet af Mickey Rooney. Det er en filmanomali, idet det er en skildring, der er så åbenlyst racistisk, at den næsten overskrider racisme. Ser du ud over selv de klart daterede elementer, har du stadig en film, der ikke finder sit punkt. Truman Capotes morgenmad hos Tiffany fortalte den hjerteskærende historie om en ung pige, der forsøgte at finde vej i en hård by. Filmens største synd er, at den “Hollywoodiserede” så mange af de originale historieelementer på en måde, som moderne publikum ofte dæmoniserer studier for.
12 Saturday Night Fever (1977)
"Men Saturday Night Fever er et øjebliksbillede af 70'erne!" siger du måske. I så fald tager du bestemt ikke fejl. John Badhams film fra 1977 om et barn fra Brooklyn ved navn Tony, der bare prøver at have det sjovt og måske finde lidt berømmelse, da den bedste danser i hans hjørne af verden helt sikkert fanger ånden i 70'erne. Filmens mode er normalt, hvad mange mennesker tænker på, når de prøver at forestille sig ungdommen i denne periode. Det er soundtrack for evigt udødeliggjort Bee Gees og andre disco-legender, dansescenerne er fantastiske, stemningen er livlig, og retningen er temmelig på punkt.
Årsagen til at Saturday Night Fever er dateret har intet at gøre med musik eller mode og har alt at gøre med karakterer. Tony er mest generøst beskrevet som et kødhoved. Han har et ensrettet sind, der normalt fører til, at han prøver at have så meget sex som muligt eller på anden måde rejser unødvendigt helvede. I denne præ-aids-epidemiske æra kunne det have været lettere at sluge, men Tony og hans gruppe af tomhovedede, spændingssøgende venner er promiskuøse alfa-mandlige eventyr i dag krydsende værd. Tonys voldtagsforsøg på Stephanie efter en dansekonkurrence er sandsynligvis det øjeblik, moderne seere simpelthen vælger at gå videre til noget andet.
11 vidner til retsforfølgelse (1957)
Witness For The Prosecution var bestemt ikke den første dramafilm i retssalen, men det er let at spore genren, som vi kender den nu tilbage til denne films indflydelse. Det er historien om en mand, der er anklaget for mord på trods af sagens tunge omstændigheder. Ting når et punkt, hvor både anklagemyndigheden og forsvaret er klar over, at hele sagen kan afhænge af vidnesbyrd fra den tiltalte kone. Resten af historien spiller gennem en række vendinger, den slags, vi så ofte forbinder til sådanne retssalsepos.
For så innovativt som filmen var i den henseende, afslører den også sin alder i, hvordan disse øjeblikke spiller ud. Begivenhederne i retssagen er beregnet til at chokere og overraske seerne, men meget af chokket er blevet fortyndet gennem årene af selve sagens vanilje. I betragtning af nogle af de tragedier, vi dagligt hører om, registreres en ældre rig kvindes drab næppe. Det hjælper bestemt ikke, at nogle af filmens vigtigste øjeblikke leveres på en utrolig skin-fisted måde. Faktisk Marlene Dietrichs skrig af "Damn You!" er lige deroppe med Darth Vader's "Nej!" med hensyn til dramatiske leveringer blev komiske. Lad os håbe, at den kommende genindspilning (muligvis instrueret af Ben Affleck) har større vægt i de kommende år.
10 Rebel Without A Cause (1955)
På et tidspunkt, hvor amerikanerne lige var begyndt at blive opmærksomme på begrebet teenagere som deres egen teenagegruppe, kom Rebel Without A Cause sammen og forsøgte at appellere til denne spirende demografiske. Dette var filmen, der lovede endelig at skinne et lys over denne misforståede generation. På grund af dette tiltrak det lige så meget kontrovers og anerkendelse. Hele nationer frygtede dets magt til at anspore teenagers oprør. Andre hyldede det simpelthen som en revolution.
I dag er det langt nemmere at behandle filmen som en parodi på dens tid. Faktisk er der mange aspekter af denne film, der fortsætter med at blive parodieret. De over-the-top bander (vi er et dansenummer væk fra West Side Story i denne), den over-the-top skuespil (James Deans "Du river mig fra hinanden!" Var inspirationen til The Room's levering af samme linje), og den frodige anvendelse af ældre skuespillere, der spiller teenagere, er alle værd at have en solid øjenrulle. Næsten alt i denne film var designet til at generere en følelsesmæssig reaktion fra publikum i æraen. Nu er denne utilsigtede komedie mere tilbøjelige til at generere latter.
9 True Grit (1969)
True Grit er historisk set et underligt sted. Den blev udgivet i 1969, tre år efter The Good, The Bad og The Ugly og samme år som Butch Cassidy and the Sundance Kid. Kort sagt kom det ud på et tidspunkt, hvor den vestlige film begyndte at blive lidt grimmere. På trods af sit navn forsøger True Grit ikke rigtig at drage fordel af denne nye nye stil. Det er en klassisk slags vestlig udgivet på et tidspunkt, hvor genren modnede.
Det er en del af grunden til, at filmen er lidt sværere at tage i disse dage. Det har ikke helt den ufiltrerede uskyldige charme fra tidlige vestlige, og den mangler også den mørke modenhed hos nogle af dens samtidige. Den old-school måde, som filmen så stærkt viser John Wayne på, bliver også et problem. Hans ydeevne er bestemt magnetisk, men det koster næsten alle andre. I modsætning til Coen Brothers version af filmen, som skildrer de understøttende helte som lige, er 1969-versionen helt klart John Wayne-showet. Det er en forældet førende mandmentalitet, der gør visse biroller (især Glen Campbells La Boeuf) næsten uudholdelige.
8 En affære at huske (1957)
En affære at huske begynder med en relativt enkel forudsætning. Nickie Ferrante (Cary Grant) løber over Terry McKay (Deborah Kerr) ved et tilfælde af tilfældighed. Begge er i forhold, men de er tydeligt tiltrukket af hinanden. Som sådan er de enige om at mødes igen om seks måneder i Empire State Building for at se, hvor de står i livet. I et chokerende twist af begivenheder bliver Terry ramt af en bil på vej til Empire State Building. Som sådan gør hun ikke mødet og planlægger ikke at mødes med Nickie igen.
Her begynder filmen at datere sig selv. En affære at huske er faktisk en genindspilning af en film fra 1939 kaldet Love Affair, som bliver tydelig, når du begynder at udholde en række osteagtige romantiske linjer som "Vinteren skal være kold for dem uden varme minder" og "Hvis den havde at ske for en af os, hvorfor kunne det ikke have været mig? ” Dette ekstreme niveau af sappighed forringer en forudsætning, der allerede var på rystende grund med sit ”Kan en mand virkelig elske en kvinde i en rullestol?” grund.
7 The Sound of Music (1965)
Er der sådan noget som en hård G-vurdering? I så fald tjener Sound of Music det. Først og fremmest, lad os være klare over, at uskyldige musikaler fra tidligere tider ikke automatisk ældes dårligt. Mary Poppins er for eksempel en stadig en klog og vellavet familiefilm. Singin 'in the Rain er også en særlig strålende film om en overgangstid i filmfremstilling, der tilfældigvis er en musical. Sound of Music er dog en musical for at være en musical.
Produktionsmæssigt er de fejende landskabsbilleder, der altid vises, når filmen fremhæves, stadig imponerende. Det, der ikke typisk vises i disse højdepunktsruller, er dog de næsten tre timers meningsløs prancing og langstrakte musikalske numre designet til kun at appellere til syngende sycophants. Filmen er meget et produkt af sin tid i den forstand, at den præsenteres som en strålende hyldest til den meget populære live-action musikalske genre. Det fungerede ret godt for publikum i 1965, men i 2016 vil de, der ønsker at se en stor Hollywood-musical, finde masser af alternativer, der har meget mere fortællende formål. De bedste dele af denne kan høres på det officielle soundtrack.
6 En nations fødsel (1915)
Der er to forskellige standpunkter, når det kommer til DW Griffiths The Nation of a Nation. Den første er, at filmen uden tvivl er den vigtigste film i filmproduktionens historie. Enhver, der har siddet i en filmskoleklasse, har hørt dette perspektiv. For en film lavet i 1915 ser fødslen af en nation næsten ud som om den kunne have været optaget i de sidste 10 år. Det andet synspunkt identificerer passende denne film som en af de mest åbenlyst racistiske film, der nogensinde er lavet. Det har sandsynligvis noget at gøre med det faktum, at det fremstiller Ku Klux Klan som næsten ubesmittede helte.
Efterhånden som kontroversen begynder, opvejer kontroversen i høj grad filmens filmspor. Det er ikke let at se Birth of a Nation og komme forbi de mest daterede sociale elementer. Det er en forhindring, der ikke bliver meget lettere at fjerne, når du indser, at denne film førte til fornyet interesse for KKK-medlemskab og oprindeligt havde titlen The Clansman. Den frodige brug af blackface i hele filmen er bare det sidste søm i kisten.
5 Easy Rider (1969)
Du kan ikke overdrive den indvirkning, som Easy Rider havde på amerikansk filmfremstilling. Det anerkendes med rette som den film, der hjalp med at sparke det, der almindeligvis kaldes New Hollywood-æraen. Denne æra er præget af studios vilje til at lade amerikanske instruktører påtage sig en auteurrolle og have kreativ kontrol over deres egne film. Socialt talte filmen til en generation af amerikanere, der boede midt i et skiftende kulturelt klima. Det omfavnede lokken på den åbne vej, mens den tacklede rædslerne i visse kulturelle normer.
Bare fordi en film er vigtig, betyder det selvfølgelig ikke, at den nødvendigvis er ældet godt. Der er problemer med denne film fra et teknisk perspektiv (hovedsagelig historiestrukturrelateret), men det virkelige problem er Easy Riders budskab. Dens modkultur-temaer genklang let med en tidligere generation, der så sjældent blev talt om af film, men eventyrene i Wyatt og Billy vil sandsynligvis komme på tværs som egoistiske og overfladiske, når de ses i et moderne lys. Denne film talte engang med folk. Nu råber det til dem med en træt retorik.
4 Bonnie og Clyde (1967)
For at være retfærdig var der et rimeligt antal mennesker, der ikke var for vanvittige over Bonnie og Clyde efter frigivelsen. De, der ikke kunne lide filmen, nævnte ofte dens vold og seksuelle indhold som årsagen til deres utilfredshed. Dette var en af de første store udgivelser i amerikansk filmhistorie, der virkelig sensationaliserede vold ved ikke at undgå at vise den fuldt ud. Squibs blev brugt ret liberalt til skudeffekter. Det havde heller ingen betænkeligheder ved at afspille det meget seksuelle forhold mellem dets hovedpersoner. I sidste ende blev filmen imidlertid anerkendt som en historisk vigtig frigivelse, der ændrede den måde, hvorpå amerikanske film skildrer vold.
Siden da er der kommet en overflod af film, der får Bonnie og Clydes vold til at ligne en tegneserie lørdag morgen. Det ville være næsten umuligt for nogen, der støt har set film i de sidste 20-30 år, at se Bonnie og Clyde og føle sig chokeret over alt, hvad de så. Uden den samme følelsesmæssige reaktion, som filmen engang genererede, bliver Bonnie og Clyde meget mere bemærkelsesværdige for sin ofte mærkelige præsentation og sjusket historiefortælling. Det giver en temmelig underholdende drive-in-flick, men ikke en film, der ville være en præmie elskede efter nutidens standarder (den blev nomineret til 10 Oscars helt tilbage da).
3 The Towering Inferno (1974)
På tidspunktet for frigivelsen var The Towering Inferno en ret god idé til en større film. Efter i fodsporene til The Poseidon Adventure pakkede denne film så mange stjerner som studiet havde råd til i en bygning, der er gået i brand og hurtigt falder fra hinanden. Det var en katastrofefilm, før titlen nødvendigvis blev anvendt på genren, og publikum blev trukket af dens stjernekraft og skuespil. Det er faktisk en forløber for den moderne blockbuster på den måde.
Der har været mange blockbusters gennem årene, der ikke har ældet godt, men The Towering Inferno skiller sig ud på et par måder. Først og fremmest, mens Paul Newman og Steve McQueen altid er store lodtrækninger, vil filmens stjernekraft ikke overskride generationer, medmindre du altid har ønsket at se Fred Astaire og OJ Simpson i den samme film. Fly! Eksperts dissektion af hele denne undergenre gjorde heller ikke denne films dramatiske øjeblikke nogen tjeneste. Man kan kun tage så mange "I tilfælde af at jeg ikke ser dig igen" sidste kys og "Få fat i dig selv kvinde!" øjeblikke før du indser, at dette bestemt var et produkt af en anden æra.
2 andesuppe (1933)
Du tror måske, at film fra 20'erne og 30'erne bare er lette at vælge. Hvor mange ting ældes virkelig godt efter næsten 100 år? Der er virkelig en hel del film fra den periode, der stadig er relevante i dag. Charlie Chaplins værker er for eksempel bemærkelsesværdige for deres humor og overraskende følelsesmæssige dybde. Det samme kan ikke let siges om Marx Brothers. Harpo, Groucho, Gummo og Zeppo Marx var en komisk gruppe, der engang var skålen for den tidlige biograf. Mens de havde mange populære film, er få få blevet så betydningsfulde som Duck Soup fra 1933.
At se Duck Soup nu svarer stort set til at se en stand-up komiker kaste vittighed efter vittighed mod publikum. Et par lander muligvis, men det handler mere om ren volumen end god humor. Denne stil er bestemt dateret alene, og Duck Soup hjælper ikke sin egen sag ved at fokusere på politisk humor. Ikke kun vil mange af filmens referencer flyve over hovedet på den gennemsnitlige moderne seer, men det betyder, at selv de bedste vittigheder kommer på tværs af de gamle politiske tegnefilm, hvor vittigheden er tydeligt mærket for at undgå enhver potentiel forvirring.
1 væk med vinden (1939)
Gone With The Wind er så synonymt med klassiske film, at det nærmer sig meme-status. For eksempel, hvis du spiser en god hotdog, kan du sige "Det var væk med pølsens vind." (Nå, du måske.) Det er en filmepos i ordets sande forstand. Denne film, der spænder over flere detaljerede placeringer og præsenteret i strålende farver, blev skabt til chokerende $ 3,85 millioner (ca. 66 millioner dollars i dag), og næsten hver eneste dollar af dette budget vises på skærmen. Det satte en produktionsstandard, der ikke ville blive sammenlignet i de kommende år.
Det er også ret forældet i mange henseender. Fra et filmskabende synspunkt er de trukkede scener og alt for dramatiske forestillinger ikke længere så fordøjelige som de engang var. Du har også adskillige uheldige øjeblikke med bagudgående politiske budskaber igennem. Borte med vinden Skildringen af slaveri og det "gamle syd" generelt er ofte smerteligt romantiseret. Der er også spørgsmålet om scenen, der involverer Rhett, der tvinger sig selv til Scarlett for her at give "hvad der kommer til hende." Engang gik det som filmisk romantik, men nu kaldes det mere voldtægt. Rhett's forklaring om, at hans handlinger var berettigede, fordi han havde for meget at drikke, bestemt ikke afhjælper problemet.
---
Hvilke andre filmklassikere føler du har ældet dårligt? Fortæl os det i kommentarerne.