At genskabe en klassisk film er som at sætte dit barn op til adoption. Du skal kun gøre det, hvis du er hårdt brug for kontanter, og selv da er det en tragedie. Vi håber, at sarkasmen her er en selvfølge, ligesom det er moderne studiers grådighed, når det kommer til at ofre vores filmhukommelser til fordel for den almægtige dollar.
Ville du spytte på en Van Gogh? Rediger Faulkner? Temme Tsjajkovskij? Hvis dit svar er andet end et rungende "NEJ", så bed om tilgivelse. Husk: at foretage de subtile ændringer i Yodas hudfarve i den gen-mestrede Star Wars-samling gjorde George Lucas til en pariah, så lad dette være en advarsel til Hollywood: Du forbliver relevant og vigtig for kultur og politik på grund af din kreativitet. Fortsæt med at udnytte den ressource, og modstå fristelsen til at regummere den hellige jord. Det er i din bedste interesse at overlade ægte perler fra filmhistorien til Criterion Collection, The Smithsonian og US National Film Registry
Vi dækkede allerede 10 film, som Hollywood uundgåeligt vil genindgive, men her er vores liste over de 10 film, Hollywood aldrig bør omlægge:
Gone With the Wind (1936)
Tilpasning af Margaret Mitchells roman fra 1936 krævede et niveau af engagement og storslåethed, som Hollywood aldrig havde oplevet. På mange måder blev Victor Fleming's Gone With the Wind guldstandarden for filmepos. Efterlader ingen sten ubesværet med sin fejrende vision om antebellum syd i sin første halvdel, og den fuldstændige ødelæggelse af Amerikas kamp og forsøg på genopbygning i den anden, efterlader filmen fra 1939 et indtryk, der er svært at ryste.
Vivien Leigh, Clark Gable og Hattie McDaniel leverede nogle af de mest mindeværdige forestillinger i deres tid og fyldte skærmen med skarpe kontraster fra kviksølvende følelser, gammeldags maskulinitet og ironisk humor. Ledsaget af Max Steiners grundlag af en score, fyret Gone With the Wind på alle cylindre. Kunne det blive omindrettet i dag? Kun i navn.
8 Casablanca (1942)
Tre år efter Gone With the Winds succes blev Hollywood-studiosystemet tappet sammen med dets merkantile output af film. De havde en formel, der fungerede. Da Casablanca kom ned af geddet som en tilpasning af det uproducerede skuespil, Everybody Comes to Rick's, blev det sat i produktionshurtige bane for at fange seitgeisten fra WWII under den allierede invasion af Nordafrika.
Frigivelsen af filmen viste sig at være strålende tidsbestemt, og mens Casablanca nød en stor boksafkast og en positiv reaktion fra pressen, blev den tilsluttet den offentlige bevidsthed godt efter dens første debut. Takket være et transcendent manuskript, der tilbyder mindeværdige linjer for hver scene i filmen, er instruktør Michael Curtiz 's drama drama en af de mest markante romantiske film, der nogensinde er skabt. Humphrey Bogart og Ingrid Bergman brænder skærmen. Billedet, musikken og tonen er næsten drømmeagtig, og hver gang du er færdig med at se Casablanca, vil du spille den igen.
7 Citizen Kane (1941)
Orson Welles var kun 26 år gammel, da han instruerede Citizen Kane og hældte en modenhed og gravitas i filmen, som få instruktører siden har matchet. Welles er en ivrig mand i teatret, tilbragte sine tidlige 20'ere dedikeret til scenen på trods af Hollywoods økonomiske fremskridt. Da hans indsats efterlod ham med behov for penge, fløj han ud til Los Angeles og underskrev efter en rundvisning i RKO studios en tobilledsaftale med dens ledere.
Sikkert, Welles havde sociale nåder af Clooney-mærket, da den første gang filmregissør gik væk med et heftigt budget, uhæmmet manuskriptforfatterautonomi og, den gyldne standard for regeringsmagt, rettighederne til endelig klipning i redigeringsrummet. I det væsentlige betroede de strålende sind hos RKO denne kunstner fra midten af 20'erne med nøglerne til kongeriget.
Ofte spillede han tricks i studiet og arbejdede døgnet rundt, lavede han filmen nøjagtigt som han forestillede sig den. Ikke kun er Citizen Kane et varigt ikon af vintage Hollywood, det skal udpeges som bevis for, at store instruktører fortjener fuldstændig kreativ kontrol. Hvis publikum for hver ti afbrudte forsøg på storhed får en Citizen Kane, så gamble "Dictator Director" slår studiobureaukrati i det lange løb.
Det er et vidunderligt liv (1946)
Mens det ofte huskes som en julefilm, er Frank Capras rørende film fra 1946 et hjerteskiftende drama i nisseklædte træk. Tanker om selvmord, af den art, som George Bailey (James Stewart) oplever, er ingen latter. Måske er det derfor, at de bedste øjeblikke i filmen minder os om, at vi virkelig lever et vidunderligt liv.
Det er den slags film, der får dig til at kramme din familie og sænke tingene i et minut. Den afskyelige skurk, Mr. Potter (Lionel Barrymore), får din hud til at kravle med sin egoistiske grusomhed og næsten give et kald til handling mod den sociale tendens til grådighed.
Det er et vidunderligt liv har sine øjeblikke af rædsel, især når George Bailey ser, hvordan livet ville være uden ham. Capra instruerer disse sekvenser med en mareridt kvalitet, der hjemsøges lige så let som forsoningsscenerne ser ud. Der kan ikke gives tilstrækkelig komplimenter til Jimmy Stewart for denne forestilling, og af den grund alene skal filmen forblive helt uberørt.
6 Cool Hand Luke (1967)
”Hvad vi har her, er manglende kommunikation!” Så taler den sadomasochistiske kaptajn (Strother Martin) i Cool Hand Luke, der illustrerer nøjagtigt forskellen mellem svage mænd i hans kløgt og den ukuelige ånd hos mænd som Lucas “Luke” Jackson (Paul Newman). Donn Pearce og Frank R. Pierson lavede et lufttæt manuskript, der tilbød Mr. Newman sin tour de force-præstation på et sølvfat.
Cool Hand Luke kan aldrig gentages, fordi filmen er defineret af dens hovedrolle skuespiller. Det mærke af cocksure-arrogance og dybt siddende depression gjorde blåøjede Newman til et paradoks. Han trak den dramatiske cocktail i The Hustler, bare seks år før, og han perfektionerede sit håndværk i den tid siden. I filmen spiller Newman en dyrkelig veterinær fra Korea-krigen, der bliver hooket på en kædebande for beruset halshugging af parkeringsmålere.
Ting ser dystre ud for Luke, men mens han afsoner sin fængsel, genopdager han sin vedholdenhed og bliver gennem en række fængsler i gårdspladsen den mest respekterede mand i fængslet. Ikke overraskende blev Cool Hand Luke en af de mest respekterede film i historien.
5 Gudfaderen (1972)
Den, der nyinddeler Francis Ford Coppola-klassikeren, vil helt sikkert være antikrist. Ethvert forsøg på at genimagine Corleone-eposet ville være en levende fornærmelse mod biografen, for Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale og de utallige andre kunstnere, der tog Mario Puzos bog og gjorde den til et stykke ren poesi.
Hvordan begynder man at beskrive storslåetheden af klassikeren fra 1972? Den blinde bard behøvede ikke at beskrive Helen af Troy meget. Hun var lige så perfekt. Gudfaderen har mange litteraturområder dedikeret til det, og på trods af filmverdenens kvalmende dissektion af gangster-eposet, vil samtalerne aldrig ophøre.
Temaer med respekt, ære og familie kører dybt i Coppolas trilogi, og selvom mange af Corleones har blod på deres hænder, elskede de sig til publikum med deres lidenskab og livskraft. Produktionsværdierne er transcendente, og kontrasterne mellem figurer som Michael og Sonny Corleone skaber en virkelig sydende film.
4 The Graduate (1967)
"Fru. Robinson, du prøver at forføre mig. Er du ikke? ” Mike Nichols fylder sin anden film nogensinde med nok falliske referencer og billeder til at retfærdiggøre en R-vurdering, men hans instruktørskabssprog og klasse udmærkede en forældrevenlig PG. Graduate blev bærebjælken i Nichols og Dustin Hoffmans karriere, med det underskud af seksuel rastløshed og identitetskriser, der indkapslede æraen.
Selvfølgelig, at se Benjamin Braddock (Hoffman) sove med den fremtrædende forførende fru Robinson (Anne Bancroft) viste sig kontroversiel for tidene, men det gav publikum en af de mest humoristiske, engagerende kommende aldrehistorier, der blev sat til film. Efter at have fundet sted i 1960'erne, hvor den amerikanske nukleare familie havde langt mindre fission end atombomben, var Nichols 'vrede jabs ved kulturen ("plast") avanceret, upåklagelig og uendelig.
3 On The Waterfront (1954)
På havnefronten var baseret på en håndfuld artikler, der blev offentliggjort i 1949, og som afslørede brutaliteten og kampen blandt New Jersey-langmanden, hvilket gjorde filmen til en gang i livet. Med det ultimative kildemateriale til en film, gav journalisten Malcolm Johnson instruktøren Elia Kazan den slags råvarer og realisme, som han altid stræbte efter at finde.
Kazan var berygtet for at provosere slagsmål og usikkerhed i sine sæt, og tændte sikringen for det, han håbede ville blive en pulverkegeksplosion, når kameraerne begyndte at rulle. Terry Malloy (Marlon Brando i en af sine mest varige roller) repræsenterer den allamerikanske arbejdstager med blå krave, der havde et skud mod glans og savnet, duped til nedbrydning af hans tvivlsomme mob-chef Johnny Friendly (Lee J. Cobb, den ultimative oncreen trussel).
I sidste ende skinnede filmen et fokus på korruptionen, der var indlejret i Hoboken Docks, og gav filmgæsterne et udsnit af liv, der aldrig kan replikeres.
2 Lawrence of Arabia (1962)
Peter O'Toole er en tungvægt inden for filmlære, og selvom han på en eller anden måde undgik akademiets fordel og ikke lykkedes at vinde bedste skuespiller for Lawrence of Arabia, definerede hans skildring af TE Lawrence Hollywood-helten. O'Toole er tynd og uddannet med en engelsk læreres udtalelse og forvandler Lawrence til en strålende cowboy af det arabiske sand.
David Lean's epos fra 1962 skildrer dets navn som en britisk helt, der hjalp med til at styrke Union Jacks succes på den arabiske halvø under den første verdenskrig. En regelmæssig John Wayne var han imidlertid ikke, og det var her O'Toole fandt plads til hans førsteklasses skuespillere. I filmen (briljant skudt af kinematograf Freddie Young) vises TE Lawrence som en fyldig kriger, der er konfliktfuld af hans voldelige og fredelige vakillationer. Han bærer sin skyld reddede PTSD på sine beduin-robed ærmer, men i klassisk engelsk stil forhindrer hans egne bekymringer ham ikke i at udføre sin pligt.
O'Tooles Lawrence kæmper med sit ansvar, men sluges aldrig af dem. Produceret godt efter frigivelsen af Gone With the Wind kan Lawrence of Arabia med rette betragtes som en udvidelse af Victor Flemings epos, der viser Hollywoods grænseløse potentiale ved filmisk historiefortælling.
1 A Clockwork Orange (1971)
At genindspille en Kubrick-film ville kræve en utrolig chutzpah. Hvordan skulle man begynde at få adgang til den berømte instruktørs nøje særlige tilgang til filmskabelse? Den måske mest uberørelige post i hans oeuvre er A Clockwork Orange, en ægte tur ned mentalt-ustabil bane, der inkluderer en af de mest sadistiske scener nogensinde er indstillet til den uskyldige "Singin 'in the Rain." Stakkels Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) er spidsspidsen for den britisk bundne gruppe af cockneyungdomme, der voldtager og pirrer sin vej gennem et stadig mere ødelagt samfund. Det er en foruroligende og chokerende film, der angriber øjnene, mens vi kaster tarmstemper til vores følelse af moral og fornuft. Hvis der er noget billede i filmen, der bedst fanger Kubricks evner, er det uden tvivl den scene, hvor Alex har øjnene mekanisk lænket åbent og kraftfodret angrebsmateriale, der omdirigerer hans hjerne.
Tak, Stanley.
-
Der har du det! Hvilke klassiske film synes du skulle være undtaget fra en Hollywood-nyindspilning? Fortæl os det i kommentarerne herunder!